Uno spettacolo che ci porta indietro nel tempo: un albergo immaginario, pieno di clienti carichi di vecchie valigie. Sono gli anni ’30, la musica accompagna un simpatico facchino nella sua travolgente lotta contro il caos.
Tra teatro fisico, clown e abilità circensi Luigi Ciotta con la sua semplicità coinvolge e gioca con il pubblico dando vita ad uno spettacolo dal ritmo incalzante e dai numerosi momenti poetici.
Tutti i lavori alla lunga risultano noiosi e ripetitivi, così dopo anni trascorsi a trasportare valigie, un bizzarro facchino d’albergo ha imparato a guardare le cose da una prospettiva diversa ed a rompere la propria alienante routine. Cambiare prospettiva è una costante di tutto lo spettacolo; guardare oltre, o forse meglio dentro, la mente e dentro di noi per tornare a giocare con niente e con poco staccandosi dalla quotidianità per afferrare l’extra-ordinario.

A caccia della felicità si può correre tutta la vita senza mai raggiungerla, e forse è dietro l’angolo.​

Come trovare l’equilibrio fra l’accontentarsi di ciò che si ha e il perseguire i propri sogni?
Questo spettacolo per la strada porta un momento di leggerezza, ma vuole anche far riflettere sul come divertirsi nella vita!​​

Il teatro si fa corpo che invecchia, memoria che resiste, anima che si interroga: un luogo può avere un’identità? Esiste se nessuno lo attraversa? Vive finché qualcuno lo ascolta? La voce dell’attrice oscilla tra poesia, ironia, malinconia e stupore, trasformando lo spazio scenico in un organismo vivo, capace di ridere, soffrire e ricordare.
Uno spettacolo intimo e universale che parla di teatro, ma soprattutto di tempo, di assenza e del
bisogno umano di essere visti e ascoltati. Lo spettacolo utilizza una scrittura poetica e narrativa, priva di personaggi secondari, affidando all’attrice il compito di incarnare il teatro come corpo, voce e archivio vivente. La scena è essenziale, orientata all’ascolto e alla relazione diretta con il pubblico. Il progetto si inserisce nel filone della drammaturgia contemporanea che indaga il teatro come luogo di memoria e di resistenza culturale, interrogandosi sul valore degli spazi storici, sul tempo che li attraversa e sulla possibilità di una loro riattivazione simbolica attraverso l’atto performativo.

Il teatro si fa corpo che invecchia, memoria che resiste, anima che si interroga: un luogo può avere un’identità? Esiste se nessuno lo attraversa? Vive finché qualcuno lo ascolta?
La voce dell’attrice oscilla tra poesia, ironia, malinconia e stupore, trasformando lo spazio scenico in un organismo vivo, capace di ridere, soffrire e ricordare.
Uno spettacolo intimo e universale che parla di teatro, ma soprattutto di tempo, di assenza e del bisogno umano di essere visti e ascoltati. Lo spettacolo utilizza una scrittura poetica e narrativa, priva di personaggi secondari, affidando all’attrice il compito di incarnare il teatro come corpo, voce e archivio vivente. La scena è essenziale, orientata all’ascolto e alla relazione diretta con il pubblico. Il progetto si inserisce nel filone della drammaturgia contemporanea che indaga il teatro come luogo di memoria e di resistenza culturale, interrogandosi sul valore degli spazi storici, sul tempo che li attraversa e sulla possibilità di una loro riattivazione simbolica attraverso l’atto performativo.

Il teatro si fa corpo che invecchia, memoria che resiste, anima che si interroga: un luogo può avere un’identità? Esiste se nessuno lo attraversa? Vive finché qualcuno lo ascolta?
La voce dell’attrice oscilla tra poesia, ironia, malinconia e stupore, trasformando lo spazio scenico in un organismo vivo, capace di ridere, soffrire e ricordare.
Uno spettacolo intimo e universale che parla di teatro, ma soprattutto di tempo, di assenza e del bisogno umano di essere visti e ascoltati. Lo spettacolo utilizza una scrittura poetica e narrativa, priva di personaggi secondari, affidando all’attrice il compito di incarnare il teatro come corpo, voce e archivio vivente. La scena è essenziale, orientata all’ascolto e alla relazione diretta con il pubblico. Il progetto si inserisce nel filone della drammaturgia contemporanea che indaga il teatro come luogo di memoria e di resistenza culturale, interrogandosi sul valore degli spazi storici, sul tempo che li attraversa e sulla possibilità di una loro riattivazione simbolica attraverso l’atto performativo.

Il teatro si fa corpo che invecchia, memoria che resiste, anima che si interroga: un luogo può avere un’identità? Esiste se nessuno lo attraversa? Vive finché qualcuno lo ascolta? La voce dell’attrice oscilla tra poesia, ironia, malinconia e stupore, trasformando lo spazio scenico in un organismo vivo, capace di ridere, soffrire e ricordare.
Uno spettacolo intimo e universale che parla di teatro, ma soprattutto di tempo, di assenza e del
bisogno umano di essere visti e ascoltati. Lo spettacolo utilizza una scrittura poetica e narrativa, priva di personaggi secondari, affidando all’attrice il compito di incarnare il teatro come corpo, voce e archivio vivente. La scena è essenziale, orientata all’ascolto e alla relazione diretta con il pubblico. Il progetto si inserisce nel filone della drammaturgia contemporanea che indaga il teatro come luogo di memoria e di resistenza culturale, interrogandosi sul valore degli spazi storici, sul tempo che li attraversa e sulla possibilità di una loro riattivazione simbolica attraverso l’atto performativo.

Il teatro si fa corpo che invecchia, memoria che resiste, anima che si interroga: un luogo può avere un’identità? Esiste se nessuno lo attraversa? Vive finché qualcuno lo ascolta?
La voce dell’attrice oscilla tra poesia, ironia, malinconia e stupore, trasformando lo spazio scenico in un organismo vivo, capace di ridere, soffrire e ricordare.
Uno spettacolo intimo e universale che parla di teatro, ma soprattutto di tempo, di assenza e del bisogno umano di essere visti e ascoltati. Lo spettacolo utilizza una scrittura poetica e narrativa, priva di personaggi secondari, affidando all’attrice il compito di incarnare il teatro come corpo, voce e archivio vivente. La scena è essenziale, orientata all’ascolto e alla relazione diretta con il pubblico. Il progetto si inserisce nel filone della drammaturgia contemporanea che indaga il teatro come luogo di memoria e di resistenza culturale, interrogandosi sul valore degli spazi storici, sul tempo che li attraversa e sulla possibilità di una loro riattivazione simbolica attraverso l’atto performativo.

Il teatro si fa corpo che invecchia, memoria che resiste, anima che si interroga: un luogo può avere un’identità? Esiste se nessuno lo attraversa? Vive finché qualcuno lo ascolta?
La voce dell’attrice oscilla tra poesia, ironia, malinconia e stupore, trasformando lo spazio scenico in un organismo vivo, capace di ridere, soffrire e ricordare.
Uno spettacolo intimo e universale che parla di teatro, ma soprattutto di tempo, di assenza e del bisogno umano di essere visti e ascoltati. Lo spettacolo utilizza una scrittura poetica e narrativa, priva di personaggi secondari, affidando all’attrice il compito di incarnare il teatro come corpo, voce e archivio vivente. La scena è essenziale, orientata all’ascolto e alla relazione diretta con il pubblico. Il progetto si inserisce nel filone della drammaturgia contemporanea che indaga il teatro come luogo di memoria e di resistenza culturale, interrogandosi sul valore degli spazi storici, sul tempo che li attraversa e sulla possibilità di una loro riattivazione simbolica attraverso l’atto performativo.

Esiste una risposta alla “domanda delle domande”? Qual è il senso della vita? Due personaggi eccentrici trasformano il palco in un laboratorio metafisico dove la comicità incontra l’incanto del circo contemporaneo. Tra quadri surreali, comici e onirici, i protagonisti si muovono come “pescatori dell’essere”, pronti a sciogliere i fili invisibili delle nostre convinzioni.

Lo spettacolo è un mix travolgente di comicità, magia bizzarra, giocoleria, teatro di figura e sana follia. Un viaggio per scoprire che la vita è un gioco misterioso da contemplare, di cui ridere e, soprattutto, da celebrare.

Soul to Show è uno spettacolo narrativo in cui Alvin accompagna gli spettatori in un viaggio alla riscoperta del suo percorso di vita come artista circense. Dalla condivisione del suo entusiasmo per il diabolo, alla scoperta del mondo artistico attraverso la Roue Cyr. La storia alla base di Soul to Show è la ricerca delle “luci” che legano Alvin ai suoi attrezzi, chiamate “Cahaya” in lingua malese.